A guerra dos camponeses alemães e os artistas que defenderam sua causa
por Jenny Farrell
A Guerra dos Camponeses Alemães (1524-1525) é uma das maiores revoltas sociais e políticas do início do período moderno na Europa. Os camponeses, que constituíam a maioria da população, estavam presos em um sistema de propriedade que os forçava a trabalhar, pagar impostos e outras obrigações feudais à nobreza. Ao mesmo tempo, uma classe burguesa emergente estava se desenvolvendo nas cidades, ganhando importância econômica por meio do comércio e do artesanato, mas permanecendo em grande parte politicamente oprimida. A baixa nobreza também estava sob pressão econômica e perdendo influência devido à centralização do poder e à ascensão dos príncipes e das cidades. Enquanto isso, os príncipes e a Igreja Católica defendiam seus privilégios, que enfrentavam cada vez mais a resistência da população. As contradições de classe se intensificaram.
Mesmo antes da Guerra dos Camponeses, havia movimentos que refletiam as crescentes tensões sociais. O Bundschuh, uma organização camponesa secreta ativa no sudoeste da Alemanha no final do século XV e início do século XVI, exigia a abolição dos encargos feudais e a restauração dos direitos tradicionais. O movimento Poor Conrad, que surgiu em Württemberg em 1514, também se opôs ao aumento de impostos e à arbitrariedade da nobreza. Embora essa revolta tenha sido reprimida, ficou evidente a crescente disposição dos camponeses de se revoltarem contra seus opressores.
No final da Idade Média e no início do período moderno, ocorreram distúrbios camponeses semelhantes em muitas partes da Europa – na França, Inglaterra, Boêmia, Espanha, Holanda, Suíça e Suécia. Essas revoltas geralmente eram limitadas localmente, mas compartilhavam características comuns com a Guerra dos Camponeses Alemães, principalmente a demanda por justiça social e econômica e a rejeição do regime feudal. Nesse sentido, a Guerra dos Camponeses Alemães foi parte de uma luta de classes em toda a Europa contra o feudalismo. Ela acabou fracassando, como muitas rebeliões semelhantes, porque não tinha aliados fortes na burguesia em ascensão. No entanto, essas lutas contribuíram, a longo prazo, para a dissolução do sistema feudal e o desenvolvimento das primeiras sociedades capitalistas.
A tradução da Bíblia para o vernáculo durante o Renascimento desempenhou um papel crucial em quase todas essas revoltas. Ela desafiou a ordem religiosa existente e tornou os textos bíblicos acessíveis às massas, que antes estavam disponíveis apenas para a Igreja. A invenção da prensa tipográfica ampliou ainda mais esse impacto. Muito antes da tradução de Lutero, já havia versões alemãs das Escrituras. Há evidências de que os artistas da época tinham acesso a elas. A Bíblia tornou-se uma ferramenta de resistência ao disseminar a ideia de um relacionamento mais direto com Deus sem a mediação da Igreja.
A Guerra dos Camponeses Alemães
A Guerra dos Camponeses eclodiu em 1524 no sul da Alemanha e rapidamente se espalhou para a Turíngia, a Francônia e a Suábia. Os camponeses formularam suas demandas em programas como os Doze Artigos, que exigiam a abolição da servidão, a redução de impostos, a livre eleição de pastores, a restauração dos direitos tradicionais e o fim da jurisdição feudal. Essas demandas eram de natureza religiosa e social e estavam inseridas no contexto da Reforma (1517), que desafiava a autoridade da Igreja e dos senhores feudais.
Em contraste com o sucesso da Revolução Inglesa (1640-1689) ou da Revolução Francesa (1789-1799), a Guerra dos Camponeses fracassou porque a burguesia não se aliou aos camponeses. A burguesia temia revoltas radicais e acabou ficando do lado dos príncipes. As revoltas foram brutalmente reprimidas pelas forças combinadas da nobreza e dos príncipes. Engels faz distinção entre a Reforma moderada de Lutero, que se aliou aos príncipes, e a Reforma radical de Müntzer, que tinha potencial revolucionário. A hostilidade de Lutero em relação aos camponeses rebeldes ressalta sua aliança com as classes dominantes. A guerra terminou efetivamente com a Batalha de Frankenhausen, em 15 de maio de 1525, quando as forças camponesas, lideradas por Thomas Müntzer, foram decisivamente esmagadas pela nobreza. Müntzer foi capturado, torturado e decapitado.
No entanto, também havia artistas de destaque na época que se uniam aos camponeses ou apoiavam a causa deles em suas obras. Esses artistas frequentemente entravam em conflito com os poderes dominantes.
Dürer
Entre as obras importantes desse período estão as xilogravuras de panfletos e gravuras de Albrecht Dürer (1471-1528) e seu círculo. A obra de Dürer inspirou contemporâneos como Mathis Grünewald, Tilman Riemenschneider e Jörg Ratgeb, criando uma poderosa conexão entre a arte e as pessoas. Nascido em Nuremberg, filho de um ourives, Dürer estudou com Michael Wolgemut e fez várias viagens, inclusive para Basileia, Estrasburgo, Itália e Holanda em 1520/21. Lá, ele se familiarizou com obras importantes do Renascimento e suas inovações. Seus retratos refletem seu profundo interesse na individualidade e na dignidade do ser humano.
Como o primeiro artista alemão, Dürer reconheceu os camponeses como temas estéticos. Sua famosa gravura em cobre “Três Camponeses em Conversa” mostra indícios sutis do espírito rebelde deles e assume uma postura nitidamente revolucionária. A gravura do final do século XV é muito mais do que uma simples representação de pessoas do campo em sua idade madura. É uma obra de arte multifacetada profundamente enraizada nas tensões sociais e políticas de sua época – uma época em que o Bundschuh já estava ativo. Paralelamente, o movimento humanista moldou o cenário intelectual, tendo Erasmo de Roterdã como uma de suas principais figuras. Seus escritos sobre justiça social e suas críticas à Igreja e à sociedade também eram conhecidos entre os rebeldes.
Na gravura de Dürer, as armas dos homens à esquerda e à direita chamam a atenção imediatamente. A espada do homem à esquerda – a julgar por suas roupas e chapelaria, provavelmente um artesão urbano – corre quase exatamente ao longo do eixo central da gravura e ocupa quase metade da altura da imagem. A posição central da espada ressalta a impressão de uma nova autoconfiança e resolução entre as pessoas. O saco pendurado em seu ombro sugere que ele está em movimento. Por baixo de sua túnica, é possível ver uma camisa. O camponês à direita também carrega uma faca em seu cinto. Suas sinistras botas longas de couro com esporas formam um contraste bem-humorado com os ovos que ele carrega em sua cesta, talvez voltando do mercado. Seu capacete – um capuz de aparência medieval com um chapéu de pele sobre ele – o identifica claramente como alguém que trabalha ao ar livre.
Outro detalhe marcante é o homem com o turbante no centro da imagem, entre o camponês e o artesão. Na época de Dürer, o turbante muitas vezes simbolizava estudiosos ou artistas (Dürer, por exemplo, retratou seu mestre Wolgemuth com um turbante). Assim, o homem poderia representar um intelectual que, por meio de suas ideias, escritos ou obras de arte, apoia a resistência contra a ordem dominante. Em relação ao movimento camponês, ele poderia ser interpretado como um mediador entre a teoria e a prática. Sua mão enfiada no bolso do peito, como se estivesse tirando um documento, reforça essa impressão. Sua arma é de um tipo diferente, mas ainda assim significativa. Dürer não retrata os homens simplesmente como trabalhadores, mas como figuras presas entre as ideias e a resistência ativa – uma revolução em andamento, em que o pensamento e a ação estão inseparavelmente ligados.
Seu “Monumento ao Camponês” em “Instruction in Measurement” (1525) atesta sua simpatia duradoura pelos rebeldes e a compreensão de sua tragédia.
Entre os artistas apresentados aqui, Dürer é o único que retratou camponeses fora de um contexto religioso. Os três artistas seguintes, contemporâneos de Dürer, foram mais fortemente influenciados pelo estilo gótico tardio, enquanto suas obras também refletiam o espírito da Renascença e da Reforma iminente, que encontrou sua expressão política na Guerra dos Camponeses. Todos os três criaram altares e obras eclesiásticas que falavam uma linguagem revolucionária.
Grünewald
Mathis Gothart-Nithart (c. 1470-1528), conhecido como Grünewald, criou uma das obras mais importantes da história da arte alemã com o Retábulo de Isenheim. Ele era próximo das ideias da Reforma e simpatizava com a luta dos camponeses. Seu trabalho levanta a voz dos oprimidos e prevê a libertação. O Retábulo de Isenheim rompe deliberadamente com as representações tradicionais de sua época. A cena da Crucificação de Grünewald é um dos retratos mais expressivos do sofrimento de Cristo. Em vez de uma harmonia simétrica, ele mostra o atormentado Salvador em detalhes inabaláveis. Seu corpo está coberto de feridas, marcado por doenças, tortura e dor. Essa representação drástica vai além da mera piedade e se torna uma acusação da crueldade e da desumanidade dos poderes dominantes. Cristo se torna um símbolo do sofrimento dos pobres e oprimidos, que suportaram a arbitrariedade da Igreja e da nobreza.
João Batista aponta com um dedo surpreendentemente longo para o Cristo crucificado. A inscrição em latim em um painel vermelho vem da Bíblia e ressalta o significado de Cristo como o Redentor. João é retratado aqui como uma “testemunha da Palavra de Deus”, colocando Cristo sozinho no centro. Esse simbolismo está intimamente ligado à ideia da Reforma de “sola scriptura” (somente a Escritura) – a Bíblia como a única fonte e fundamento da fé. Isso mais tarde se tornaria uma exigência central dos reformadores.
No verso do retábulo, Grünewald retrata a Ressurreição de Cristo com uma luz impressionante. Cristo aparece como uma figura radiante ressuscitada, vestida de vermelho vivo e dourado, levantando-se de seu túmulo. Uma enorme auréola semelhante ao sol o envolve, destacando-o do céu escuro da noite. Abaixo dele, três guardas da tumba caem no chão. Suas roupas não se assemelham à armadura legionária romana, mas sim à armadura típica de mercenários e soldados da época. O comportamento deles expressa pânico e desamparo. Assim, Grünewald estabelece uma conexão direta com os poderes políticos e eclesiásticos, especificamente o domínio militar e político da Igreja e da nobreza. A rocha quebrando ao fundo reforça a impressão de um colapso iminente da antiga ordem.
Assim, o retábulo é um dos primeiros testemunhos do pensamento da Reforma. Grünewald retrata Cristo somente de acordo com os textos bíblicos. Essa ênfase nas Escrituras (“sola scriptura”) é um chamado para retornar à mensagem original do cristianismo: solidariedade com os fracos e oprimidos. A mensagem da Ressurreição – “um novo céu e uma nova terra” – dá a eles a esperança de um mundo onde a justiça e a paz prevaleçam. Assim, o retábulo se torna um símbolo de resistência contra a exploração e a opressão.
Riemenschneider
O escultor Tilman Riemenschneider (c. 1460-1531) não foi apenas um artista notável, mas também politicamente engajado. Membro do Conselho Superior de Würzburg em 1514 e 1518, foi eleito prefeito da cidade em 1521. Durante a Guerra dos Camponeses, em 1525, Würzburg ficou do lado dos camponeses contra o senhor territorial. Após a derrota dos exércitos camponeses, a cidade teve que capitular. Riemenschneider foi preso e torturado. É provável que suas mãos, as ferramentas do artista, tenham sido deliberadamente feridas ou quebradas. A repressão que sofreu levou ao seu declínio econômico e artístico. Em 7 de julho de 1531, Riemenschneider morreu em Würzburg.
Riemenschneider é um dos escultores mais importantes do período gótico tardio e do início da Renascença. Suas obras impressionam com representações vivas e expressivas que combinam dignidade humana e realidade social. Seu compromisso com as pessoas comuns moldou sua vida e seu trabalho artístico. Em suas esculturas, ele capturou as esperanças e os sofrimentos das pessoas comuns – camponeses, artesãos, comerciantes – e demonstrou profunda empatia por seus destinos.
A obra-prima de Riemenschneider é considerada o Altar do Sangue Sagrado (1499-1505). A ala direita do retábulo mostra a entrada de Cristo em Jerusalém, um motivo imbuído de uma linguagem visual popular, porém sutilmente reformista. As figuras parecem realistas e expressivas em sua postura e expressões faciais, com traços naturais, semelhantes aos de camponeses. Seus rostos refletem grande individualidade e experiência de vida. Um detalhe particularmente tocante é a figura do pequeno Zaqueu, que sobe em uma árvore para ter uma visão melhor. Essa cena parece quase humorística, mas é profundamente humana: mostra o anseio do pequeno homem por conhecimento e uma conexão com Cristo. Essa habilidade narrativa caracteriza Riemenschneider: a proximidade com as emoções e o comportamento das pessoas comuns.
A simplicidade da representação se harmoniza de certa forma com os ideais da Reforma. Enquanto a arte gótica tardia era frequentemente caracterizada por elementos ornamentados e decorativos, Riemenschneider desenvolveu uma linguagem visual clara e simples. Como em muitas de suas obras posteriores, ele dispensou a pintura da madeira, permitindo que o jogo de luz e sombra na escultura em madeira se destacasse ainda mais. Isso também pode ser visto como uma expressão de um foco no essencial, de acordo com a “sola scriptura”. O trabalho de filigrana do relevo é extraordinário – além das dobras finas das roupas e do movimento dinâmico do burro, o efeito de profundidade em várias camadas por meio da disposição das figuras em perspectiva é impressionante. Tudo isso demonstra o domínio magistral de Riemenschneider na escultura em madeira. Sua decisão de rejeitar acabamentos coloridos foi revolucionária e ressalta a importância da forma escultural. O painel principal do retábulo – a Última Ceia – é igualmente simples e popular na execução. Riemenschneider evita representações idealizadas e estilizadas e apresenta os apóstolos como personalidades individuais e expressivas. Os traços faciais são detalhados e contemporâneos. O realismo nas várias reações emocionais dos discípulos é impressionante, representado em uma cena humana e animada – um contraste com as representações rígidas e sagradas dos séculos anteriores. Os discípulos sentam-se próximos uns dos outros, enfatizando a comunidade e divergindo dos arranjos hierárquicos das cenas anteriores da Última Ceia. Por meio dos movimentos inquietos, Riemenschneider cria uma cena de aparência espontânea que aumenta a impressão de um evento autêntico e realista. A filigrana da arquitetura gótica tardia ao fundo, com janelas altas de arco pontiagudo e estruturas intrincadas, dá à obra profundidade espacial e um efeito quase tridimensional que atrai o observador para a cena. A madeira natural realça a qualidade escultural das figuras e direciona o foco para seus rostos, gestos e posturas. A ala direita do retábulo mostra Cristo no Jardim do Getsêmani, enquanto seus discípulos dormem e a multidão se aproxima. Riemenschneider também desenha esse momento com grande densidade narrativa, escultura em madeira magistral e um senso notável para personagens humanos. No primeiro plano, os três discípulos dormem, cada um com características individuais do artista. Apesar dos livros que seguram, eles dormem nesse momento crucial – uma representação da fraqueza humana. No plano de fundo, uma multidão curiosa é vista atrás de uma cerca de salgueiros, parando no simples portão de madeira. Uma única figura pula a cerca, lembrando com humor a figura de Zaqueu na ala esquerda. Novamente, as figuras folclóricas são criadas individualmente, mas parecem menores e mais escuras, aumentando a distância espacial e a tensão entre o primeiro plano e o plano de fundo. O simples portão de madeira e a cerca de salgueiro ressaltam a estética popular de Riemenschneider. Sua representação do jardim como um terreno baldio rochoso contrasta com a representação tradicional do jardim como um exuberante bosque de oliveiras. O artista também inova aqui ao refletir o estado interior de Jesus por meio da paisagem árida.
A arte de Tilman Riemenschneider foi revolucionária: por meio de representações realistas e populares e da rejeição de acabamentos coloridos, ele criou uma nova dimensão estética. Suas figuras, caracterizadas por características e emoções cotidianas, refletiam as preocupações e as alegrias das pessoas comuns, fazendo com que sua arte formasse uma identidade. Após a derrota dos camponeses, a prisão e a tortura, Riemenschneider morreu em 1531 em relativa obscuridade. Seu destino simboliza a tragédia de um artista que pagou um alto preço por suas convicções e solidariedade com os oprimidos.
Ratgeb
Jörg Ratgeb (1480-1526) não foi apenas um pintor importante do período gótico tardio, mas também um lutador engajado pela justiça social. Ratgeb iniciou sua carreira artística em Stuttgart, onde recebeu a cidadania em 1503. Em 1509, mudou-se para Heilbronn, onde, devido ao seu casamento com um servo, não conseguiu obter a cidadania e tentou, sem sucesso, comprar a liberdade de sua família. Quando eclodiu a Guerra dos Camponeses, Ratgeb juntou-se aos camponeses revolucionários e chegou a ser eleito chanceler dos camponeses. Ele foi um dos poucos cidadãos que se aliou ativamente aos insurgentes. Após a derrota dos camponeses em Böblingen, Ratgeb foi preso e condenado à morte por esquartejamento por alta traição.
O Retábulo de Herrenberg de Ratgeb (1518-1519) vai muito além de uma representação puramente religiosa. Ele combina cenas bíblicas com críticas sociais e políticas. Em vez de santos idealizados, ele mostra figuras realistas do povo comum, traduzindo assim a mensagem bíblica para a realidade da vida das pessoas comuns. Os painéis principais do retábulo – a Última Ceia, a Flagelação, a Crucificação e a Ressurreição – são notáveis não apenas por sua representação da história da salvação, mas também por sua mensagem socialmente crítica. Os algozes de Jesus usam armaduras contemporâneas, denunciando a violência das autoridades e a opressão do povo. Judas, vestido em um amarelo conspícuo – uma cor associada à traição e à heresia – aparece como um leitmotiv em todos os painéis. Outros símbolos de decadência moral, como cartas de baralho e uma mosca, ressaltam ainda mais a crítica de Ratgeb aos poderosos. Os discípulos são retratados como pessoas comuns, com características individuais e gestos vivos, fazendo com que a cena pareça natural e dinâmica. Ao fundo, outros episódios são incorporados, como os guardas que se aproximam, Jesus orando e os discípulos dormindo.
Na cena da Flagelação, Ratgeb intensifica a brutalidade: sua armadura ornamentada simboliza a arrogante autoimportância dos governantes mundanos. Uma escada em espiral ao fundo cria profundidade espacial e leva o olhar a outras cenas de abuso, retratando a violência como onipresente e crescente. Pôncio Pilatos, que condena Jesus, tem as feições do Imperador Maximiliano I, enquanto uma bandeira do Sacro Império Romano voa acima dele. Com essa mensagem clara, Ratgeb responsabiliza os governantes de sua época pelo sofrimento dos oprimidos.
A cena da Crucificação combina vários níveis narrativos: ao fundo, a Deposição e o Sepultamento de Jesus estão integrados. No centro está Jesus na cruz, ladeado pelos dois ladrões, enquanto a luz o enfatiza como o ponto focal. Uma cidade medieval estilizada ao fundo acrescenta profundidade à imagem. A dor de Maria é inconfundível, e um soldado montado em uma armadura observa a cena – um símbolo da aplicação implacável do poder mundano. A multidão subindo a colina ilustra que a execução é encenada como um espetáculo público.
A cena da ressurreição forma a conclusão esperançosa. Cristo emerge da tumba com a mão levantada, cercado por uma aura radiante de luz. A bandeira branca com a cruz vermelha simboliza o triunfo sobre a morte. Os guardas do túmulo e os mercenários são exagerados – membros torcidos, cabeças frouxas e capacetes escorregadios. A inclusão de cenas adicionais – a ressurreição dos mortos e o encontro com Maria Madalena – complementa a mensagem central: a vitória da vida sobre a morte.
A revolução artística de Ratgeb está em sua linguagem visual popular, representação emocional e técnica narrativa inovadora. O Retábulo de Herrenberg denuncia abertamente a violência das autoridades, a opressão dos pobres e a hipocrisia dos poderosos, tornando-o um espelho da agitação que precedeu a Reforma e a Guerra dos Camponeses.
Apesar da derrota militar dos camponeses, essa guerra nunca foi esquecida. Ela continua sendo a primeira guerra de classe a desafiar a ordem feudal na Alemanha. As obras de artistas como Riemenschneider e Ratgeb, que sofreram e morreram por suas convicções, não são apenas testemunhos de uma época passada, mas também lembretes duradouros do poder da arte para denunciar a injustiça social e preservar a esperança de um mundo melhor. Em nossa época, sua coragem continua sendo uma inspiração para todos que lutam pela justiça e pela dignidade humana. O destino desses artistas demonstra o alto preço da resistência, mas suas obras perduraram, provando que a luta pela liberdade e pela justiça nunca é em vão.
Jenny Farrell, nascida na República Democrática Alemã, vive na Irlanda desde 1985, é professora, escritora e editora. Escreve para a imprensa comunista na Irlanda, Grã-Bretanha, Estados Unidos, Alemanha, Brasil e Portugal e editou antologias de escrita da classe trabalhadora na Irlanda
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